LOUIS LUMIERE GERMAINE RICHIER CESAR CHRISTIAN LACROIX Le COMTE DE MIRABEAU DARIUS MILHAUD OLIVIER MESSIAEN PABLO PICASSO MARQUIS DE SADE JEAN-HENRI CASIMIR FABRE JEAN MOULIN VINCENT SCOTTO

LOUIS LUMIERE 1864 - 1948

Antoine Lumière exerce ses talents dans la photographie quand son second fils naît à Besançon. Il s’appellera Louis, comme son grand-père maternel, imprimeur parisien.
Donc, le petit Louis a 6 ans lorsque la famille part s’installer à Lyon. Le père travaille chez Fatalité dans la « Peinture et Photographie ». Quelques années plus tard, il ouvre son premier studio rue de la Barre. Auguste et Louis se mettent déjà « dans le bain ».
L’aîné fait des études scientifiques et sera suivi par le cadet qui apprend également le dessin et la sculpture.

PREMIER APPRENTISSAGE
Durant l’été, Louis tire le portrait des curistes d’Allevard et ramène la pellicule à développer. Quant au studio paternel, il affiche « une bonne santé » et bénéficie de quelques améliorations techniques.
A cette époque, la photographie était pratiquée avec des plaques émulsionnées en chambre noire avant l’exposition et nécessitait une organisation et du matériel qui assuraient le monopole des professionnels.
Fini les préparations et vive « les plaques sèches » qui révolutionnent le petit monde de la photo, menacé d’ailleurs par l’appareil portatif.
Il faut donc trouver de nouveaux créneaux à ce marché.
Le père Lumière tente alors de se reconvertir dans la fameuse fabrication des plaques sèches dont le « secret » sera trouvé par ses enfants après de considérables recherches.

DE PROGRES EN PROGRES
L’affaire familiale devient une véritable industrie transférée à Monplaisir mais qui connaîtra quelques difficultés économiques. Les plaques sèches sont enfin au point et Louis baptise cette formule « Etiquette bleue » dont le succès va renflouer l’entreprise familiale.
C’est alors qu’Antoine Lumière s’installe à La Ciotat et, déserte le labo pour la viticulture tout en gardant un « oeil » sur l’objectif.
Le kinétoscope d’Edison sort en 1891 et monsieur Lumière Père encourage ses fils à créer un procédé similaire. C’est Louis Lumière qui se charge d’améliorer le kinétoscope et invente l’appareil cinématographe. Le mécanisme d’entraînement immobilise l’image et permet sa projection agrandie.
La paternité de cette invention est largement revendiquée par d’autres concurrents, qui mènent aussi les aventures de la recherche. Demeny, Marey et le grand Méliés qui prend la voie du spectacle cinématographique, sont sur la liste.
1895, Léon Gaumont confirme les résultats de Louis Lumière et lui confie la réalisation d’un appareil de prises de vues.

PHOTO DE FAMILLE... A LA CIOTAT...
Les fils Lumière mènent leurs affaires « bon train » !
Antoine jouit de l’aisance financière et ne manque pas de faire honneur à la fortune familiale.
Il s’offre le domaine « Le Clos des Plages » à la Ciotat et reçoit de façon grandiose famille, amis et relations d’affaires. Les Winkler (de Lyon) unis par alliance aux Lumière puisque Louis épousa une des filles, composent le clan illustre.

« SILENCE. ON TOURNE »
Le premier film qui fit le tour du monde, est à la fois familial et spectaculaire. Il s’intitule « L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat ». Il est présenté en septembre 1895 dans la demeure du Clos. Cent cinquante invités assistent à cette projection privée et découvrent les balbutiements du septième art...
La petite ville en garde encore un souvenir ému. Le Cinéma Eden où furent projetés les premiers films Lumière continue de faire « tourner la bobine ». Quant au Musée, il témoigne bien du séjour fructueux des Frères Lumières. Mais la technologie cinématographique ne s’arrête pas là. Louis Lumière multiplie les brevets qui assurent d’ailleurs la vie « dorée » à la famille.
Consécration honorifique : en 1935, il rentre à l’Académie des Sciences. C’est à Bandol que Louis « s’éteint » à 74 ans.

« Pendant trente ans, ma famille s’est réunie à La Ciotat, où mon père possédait une propriété. Nous étions parfois plus de trente à table, avec les neveux, les cousins et les amis... Ma mère, une femme admirable, s’occupait de tout... »
L. Lumière

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GERMAINE RICHIER 1902 - 1959

A proximité de Salon, le petit village de Grans qui déploie ses belles façades traditionnelles, est associé depuis 1902 au maître sculpteur le plus avant-gardiste : Germaine Richier.
Elle grandit dans cette Provence retirée... A cette époque, l’avenir des femmes ne s’inscrit pas dans un plan de carrière mais plutôt dans le dessein d’un horizon limité.
Pour Germaine Richier, ce sera l’Ecole des Beaux-Arts de Montpellier. Le futur rimera avec sculpture !

SCULPTEUR
C’est dans l’atelier de Gigue, ancien praticien de Rodin que Mademoiselle « taille » son destin. En 1926, elle part à Paris, devient l’élève particulière de Bourdelles et quatre ans plus tard, elle travaille en toute indépendance dans son atelier avenue du Maine.
Sa première exposition est inaugurée à la galerie Max Kaganovitch à Paris en 1934. Le thème demeure encore classique : les galbes, les pleins et les déliés respectent ses modèles mais annoncent déjà un style très personnel. Recherche de l’aboutissement, de l’essentiel, de la fluidité composent le parcours de l’artiste. La guerre est là et Germaine exprime la révolution qu’elle engendre sur l’humanité. « Juin 40 » donne une interprétation de ces horreurs. Le monde animal se substitue à la réalité, et devient son registre de prédilection. Ses oeuvres se creusent, s’évident, se perforent. Sa violence effraie et sublime à la fois.
En 1948, elle expose à la fondation Maeght à Paris. Deux ans plus tard, l’artiste déchaîne une controverse avec « le Christ » sculpté pour l’Eglise d’Assy. Germaine Richier affirme sa démarche artistique qui est consacrée par le succès. Parmi ses originalités créatrices, ses « plombs à fonds peints » qui contribuent à réunir la sculpture et la peinture. « La ville », « La Toupie » se détachent des toiles abstraites peintes par Hartung, Da Silva et Zao Wou-Ki.
D’autre part, le travail de la matière permet d’associer verre coloré et plomb fondu, bronze peint et plâtres polychrome comme « Le cheval ». Les oeuvres de Richier témoignent du potentiel de créativité de l’auteur.
« La Tauromachie » 1953, « La Sauterelle, grande » 1955, « La Fourmi » , « Le Sablier » sont quelques unes de ses interprétations mi-homme, mi-insecte mais tellement précises dans la gestuelle des deux.

HONNEUR A LA GRANDE DAME
Premier Prix de Sculpture à la première Biennale de Sao Paulo, XXVIème Biennale de Venise, exposition aux quatre coins du monde et bien sûr au Musée d’Art Moderne de Paris, Germaine Richier est consacrée et son talent reconnu par ses pairs.
Aujourd’hui, au détour des voyages, Germaine Richier est souvent présente dans les Musées d’Art Contemporain. Le Musée Picasso d’Antibes a « Le Tombeau de l’orage », la Fondation Guggheneim de Venise donne à Mademoiselle Richier les honneurs de son jardin.
L'échiquier, grand bronze,(1959), 3,19 x 0,85 x 0,61 m, acquis par le fonds du patrimoine en 1998, 3,19 x 0,85 x 0,61 m, Mnam/Cci Centre Georges Pompidou, Paris.
Constituée de cinq figures autonomes, le Roi, la Reine, le Fou, la Tour, le Cavalier, cette œuvre majeure de Germaine Richier marque l'aboutissement de sa recherche et introduit dans sa démarche deux autres notions : le mouvement et la couleur. Initialement réalisées en plâtre peint, chacune des cinq sculptures qui forment un ensemble rythmé et ludique, peuvent être indifféremment disposés dans l'espace et invitent le spectateur à se déplacer à l'intérieur de ce dispositif. L'acquisition de l'Echiquier, grand, l'œuvre ultime de l'artiste, vient compléter le remarquable ensemble de sculptures de Germaine Richier conservées dans les collections publiques françaises : La Mante, 1944, La Chauve-Souris, 1946, L'Ouragan et l'Orage, 1947-1948, Le Griffu, 1952, La Fourmi, 1953, La Montagne, 1955-1956. L’Echiquier, grand n’a pu être acquis que grâce à l’aide de Madame Guitter.

Propos de l'artiste

"Mes sujets appartiennent au monde de la métamorphose (Orage, Homme dans la forêt) ; à cet animal qui est plus qu'un animal (la Mante) - ce sont les créatures fantastiques d'une époque que nous sommes incapables de reconnaître, mais qui est la nôtre, le monde des formes intervient sans cesse au moment de la recherche et de l'observation."

Le 31 juillet 1959 à Montpellier, Germaine Richier trouve le « repos du guerrier ». Le musée Picasso d'Antibes présente la même année la première rétrospective.

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César Baldaccini (CESAR) 1921 - 1998

« Je suis né à la Belle de Mai... »
C’est dans le quartier populaire de Marseille que le petit Baldaccini et sa soeur jumelle font leurs premiers pas.
Le père est marchand de vin et l’adolescent rentre dans l’affaire familiale. Il suffit des conseils d’un voyageur de commerce qui apprécie l’esquisse du petit, pour que César se retrouve sur le banc des Beaux-Arts. Le premier professeur qui le « forge » à la technique est Cornu, ancien praticien de Rodin. Il part à Paris en 1942, après avoir obtenu une bourse, et réussit l’admission à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts .
Signe du hasard... Il habite la même maison qu’ Alberto Giacometti. Stage dans un atelier d’ébénisterie dans le Var puis de céramiste à Montpellier où il apprend à tourner...

CESAR, LE SCULPTEUR
C’est en 1947 que le jeune marseillais comprend son « affection » pour la matière. Si certains artistes choisissent le fer pour exprimer leur langage, César l’utilise d’abord par nécessité économique. Il débute avec le fil de fer et crée ses premières sculptures en ferraille.
Dès 1954, il travaille dans une petite usine de la banlieue parisienne d’où sortiront quelques pièces. Parmi elles, « Le Poisson », qui lui vaut le prix du « Collabo », sera acheté par le conservateur du Musée d’Art Moderne de Paris. Il sculpte, utilise les déchets ferreux, soude, coupe et découvre le plaisir « charnel » du matériau.
Picasso apprécie son travail et le lui fait savoir, les rencontres se multiplient et les échanges sont fructueux.
1956... César signe ses deux premières oeuvres monumentales baptisées « La Grande Duchesse » et « Le Diable » qui mesurent respectivement deux mètres et trois mètres cinquante.
Quant au premier objet compressé, il apparaît en 1957... et bucolique, il se nomme « Le déjeuner sur l’herbe » ! Deux boîtes de sardines écrasées donnent naissance à un procédé nouveau qui deviendra célèbre... deviendra César... Les expositions accueillent ces pièces de « l’autre monde » qui, critiquées ou appréciées, ne laissent pas indifférent.
César observe la réaction de ses matériaux, compresse boîtes, pare-chocs, voitures, fait feu de tout et mène un « train d’enfer » à la matière qu’elle soit métal, polyuréthane ou cristal.

POUCE !
Son premier pouce en plâtre date de 1966, mesure 2 mètres de haut et s’expose au milieu de Calder et Giacometti. C’est le résultat d’une recherche sur le modèle de la main commandé par Claude Bernard.
Marseille a aussi son pouce La sculpture monumentale jalonne le carrefour du Boulevard d’Hambourg comme pour dire « Stop » aux automobilistes.

BIJOUX...JOUJOUX...CAILLOUX...
L’or et l’argent se tordent à plaisir dans les mains de César et deviennent véritablement des pièces d’art.
« Ce qui compte, c’est la beauté de la matière, et toutes les matières sont précieuses quand je leur parle : le pneu, l’or, le papier, la tôle ».

RECONNAISSANCE UNANIME...
Biennale de Sao Paulo... de Carrare... de Venise... Prise du Carnegie Institute de Pittsburgh... aux côtés de ses compagnons les plus éminents. Marianne et Pierre Nahon, porte-drapeau de l’Art Contemporain, soutiennent le travail de César l’artiste et lui ouvrent les portes de leur célèbre galerie Beaubourg.
1980... Exposition en duo avec Arman. Séries de bronzes soudés...
L’artiste crée aussi une plaque surdimensionnée pour la fondation Cartier à Jouyen- Josas qui est l’Hommage à Eiffel.
César travaille et vit à Paris mais demeure l’enfant de Marseille.

Portrait d'un CESAR
C’est en 1975 qu’est créée l’Académie des Arts et Techniques du Cinéma. L’année suivante a lieu, le 3 avril 1976, la première nuit des César sous la Présidence de Jean Gabin. Il a ainsi fallu près d’un demi siècle avant que la France suive l’exemple américain de la remise des Oscars.
A l’origine de cette idée, Georges Cravenne qui adolescent dans les années 20, est fasciné par la petite statuette de l’homme à l’épée curieusement baptisé Oscar. Bien des années plus tard, la rencontre avec une autre petit homme à l’accent prononcé et à la faconde provençale, César, allait concrétiser le vieux rêve. La France, berceau du 7ème Art, pourrait enfin récompenser son cinéma et démentir Louis Lumière dont l’invention, prétendait-il, n’avait aucun avenir.

Le César : © Académie des César
30cm de haut, 3 kg 200 de bronze poli.
Hauteur : 30 cm sur une base de 8 sur 8 cm.
Poids : 3 kilos 200. Comme toutes les récompenses, un César est lourd à porter.
Composition : bronze naturel et non doré à l’or fin. En fait, c’est un polissage très minutieux qui lui donne son aspect brillant. L’objet est creux. Le procédé de fonderie est celui dit à cire perdue. Il faut de 12 à 15 heures de travail pour fabriquer un César. Si habituellement, dix-neuf César sont attribués, on en fabrique vingt-cinq chaque année.
Coût : élevé bien sûr, chaque pièce étant une œuvre d’art, mais tenu strictement confidentiel par l’Académie des Arts et Techniques du Cinéma. Seuls les gens de la profession peuvent éventuellement acquérir le César sous réserve d’en acquitter le coût. Le cas peut se produire, par exemple, si l’œuvre primée possède plusieurs producteurs, réalisateurs, etc. Aucun César à ce jour n’a été ni refusé, ni perdu. Par contre, le domicile d’Ariane Ascaride ayant été cambriolé, on lui a volé son César pour Marius et Jeannette.
Fabrication et Fonderie : Atelier Régis Bocquel en Seine Maritime. Anecdote : A l’origine, un seul projet fut présenté par César à Georges Cravenne. Le modèle n’a subi aucune modification depuis.

« ... J’ai découvert que j’avais l’accent du Midi. J’ai dit « Tiens c’est fou ce que tu as l’accent du Midi ». Je vis ici, à Paris, depuis si longtemps et je suis encore un provençal. C’est curieux ! Ce sont mes racines ».

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CHRISTIAN LACROIX 1951

Christian Lacroix est né à Arles le 16 mai 1951 sous le signe très symbolique du Taureau.
Arles... « J’y suis né mais de l’autre coté du Rhône dans un bourg appelé Trinquetaille ».
Son enfance est baignée de ce quotidien provincial qu’il évoquera à chaque collection et fera connaître au monde entier.
Les devoirs, la maison au carrefour de Nîmes, des Cévennes, de la Camargue, des Saintes Maries de la Mer... tel est le tableau dans lequel évolue aisément le jeune arlésien.
Sa famille paternelle a une entreprise de mécanique agricole à Trinquetaille. Les hommes travaillent, les femmes sont élégantes, habillées de tailleurs foncés avec le petit collier de perles grises comme accessoire et les ongles manucurés. Sa mère affiche des tenues sport raffinées. Ses grands parents maternels habitaient au-dessus de l’atelier et de la boutique d’un bourrelier. Des odeurs de cuir, de graisse et de cire s’épanouissent comme un parfum de Provence. Là, Madame Lacroix commandait des ceintures pour ses enfants, l’Empereur Bao-Daï faisait réparer ses étuis à revolver et Cocteau passait des heures à évoquer l’artisanat.
Quant à l’adolescent, il va au collège, fréquente le café Malarte, se rend au musée Réattu. Il accompagne son père aux corridas et fréquente les cocktails où il aperçoit Picasso et Cocteau.
L’été est rythmé par les airs de Verdi, Bizet, Gounod qu’il va écouter au théâtre Antique.
Il y a aussi la fête des costumes d’Arles qu’il ne rate sous aucun prétexte.

DEPART
Son adolescence voit naître une passion pour l’Angleterre d’Oscar Wilde et des Beatles, Barcelone et Venise . Il étudie alors l’histoire de l’Art à la faculté des Lettres de Montpellier puis à Paris en 1973 à la Sorbonne et à l’Ecole du Louvre, se destinant alors à être conservateur de Musée. Et puis les voyages... Naples, Gênes, le Pirée, Le Péloponnèse ouvrent le regard sur d’autres horizons. Quant à Marseille, Lisbonne et Venise, Lacroix les considère un brin orientalistes.

1973 PARIS... LE DESSEIN DE LACROIX.
Il fait une maîtrise sur « le costume à travers la peinture du XVIIème siècle ». Il suit parallèlement les cours de l’école du Louvre destinés au concours de conservateur qu’il échoue d’ailleurs.
Mais Lacroix a le trait stylisé, le crayon alerte et l’oeil sensibilisé aux nuances colorées. Il dessine et croque les élégantes.

Quelques rencontres déterminantes lui font prendre un autre chemin : Françoise, qui va devenir sa femme, lui fait découvrir Paris et l’encourage à dessiner ; Jean-Jacques Picart, attaché de presse et conseiller pour divers Créateurs et Maisons de luxes, le fait entrer chez Hermès en 1978, puis chez Guy Paulin en 1980.
En 1981, il intègre la Maison Jean Patou, où il relève, toujours avec Jean-Jacques Picart, le défi de la Haute Couture, que l’on disait moribonde et où ils parviennent à redonner, saison après saison, les couleurs, l’extravagance et la luxuriance qui seront celles des années 80.Ce travail est consacré en 1986 par un premier Dé d’Or, puis par l’Award du créateur étranger le plus influent, décerné par le CFDA à New York en janvier 1987.
En octobre 2002, à l'occasion de la présentation des collections printemps été 2003 et des 15 ans de la maison de Couture, Christian Lacroix reçoit l'insigne de Chevalier de la Légion d'Honneur, remis par Monsieur Bernard Arnault, président de LVMH.
Lacroix est consacré grâce à la subtile conjugaison du futur et du passé sur le mode des étoffes.

DU THEATRE
Fort d’habiller mères et filles au gré des saisons, la scène, côté coulisse, appelle le talentueux couturier. C’est ainsi qu’il crée les costumes de « C’est la vie », mis en scène par Alfredo Arias.
Le Métropolitain Opéra de New York se met aussi à l’heure de l’arlésien avec « La Gaieté Parisienne ». Et bien sûr, nul autre que Lacroix ne peut réaliser les habits de lumière et autres robes à volant de « Carmen » qui est produit dans les arènes de Nîmes.
Follement Provence !

LA MAISON Christian Lacroix

1987 : Christian Lacroix rencontre Bernard Arnault qui fonde la Maison de Couture qui portera son nom dans l’hôtel particulier du 73 rue du Faubourg Saint Honoré. La première collection, en juillet 1987, oppose un retour excentrique au minimalisme alors en vigueur. La seconde collection, en janvier 1988, obtiendra un Dé d’Or.
1988 : voit naître la première collection de Prêt-à-Porter, qui ne cesse de puiser son inspiration dans le métissage des cultures .
1989 ; marque l’arrivée des accessoires (bijoux, sacs, chaussures, lunettes, foulards et cravates) et l’ouverture de boutiques à Paris, Arles, Aix-en-Provence, Toulouse, Londres, Genève et au Japon.
1994 : Christian Lacroix crée la ligne “ Bazar ”, complémentaire du Prêt-à-Porter et de la Haute Couture, une collection qui joue plus que jamais avec les folklores et les époques.
1995 : lancement des draps et éponges, gardant ce même état d’esprit, puisque mode et mode de vie ne font qu’un. 1996 : création de la ligne “ Jeans ” : une collection qui mêle passé, présent et futur, inspirée des arts et traditions populaires des ethnies du monde entier.
1997 : les Arts de la Table voient le jour en collaboration avec la maison Christofle. La même année, un accord de licence est signé avec Pronuptia pour la fabrication et la distribution de la ligne “ Christian Lacroix Mariée ”.
1999 : lancement du Parfum "Christian Lacroix", un ambré-fleuri.
2000 : une ligne de bijoux argent et pierres fines complète les accessoires fantaisie.
2001 : lancement d'une ligne "Christian Lacroix enfant".
2002 : lancement du parfum "Bazar" pour femme et pour homme.
2002 : nomination de Christian Lacroix comme Directeur Artistique de la maison florentine Emilio Pucci (premier défilé à Milan en octobre 2002).

La Maison Christian Lacroix compte aujourd'hui environ 35 points de vente en nom propre ou en corners, et vend ses produits mode dans plus de 1 000 points de vente à travers le monde pour toutes ses griffes.
Aujourd’hui, Lacroix joue les grands orgues dans la cathédrale de la mode : ses collections ont des airs d’opéra et ses défilés chantent la Provence, le meilleur de la Provence !
L’enseigne de ses boutiques jalonnent les villes de France et de Navarre. Mais Lacroix, international, demeure arlésien ! Comment en douter ?

« Arles c’était une autre histoire, l’autre côté de la vie, le jeudi, le dimanche, l’autre famille, un autre siècle, la Provence ».

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Comte de MIRABEAU 1749 - 1791

Gabriel-Honoré Riquetti, comte de Mirabeau était le fils aîné du marquis Victor Riquetti de Mirabeau, économiste issu d'une famille florentine (les Riquet ou Riquetti) établie en Provence dès le XVIè s. Né au Bignon, dans le Loiret, et mort à Paris, il fut le plus grand orateur de l'Assemblée constituante. Il naquit avec un pied tordu, deux grandes dents, et surtout une tête énorme, ce qui a fait dire qu'il était hydrocéphale.
A l'âge de trois ans, il fut défiguré par une petite vérole mal soignée. Enfant espiègle et curieux, il fut très précoce. "On parle de son savoir dans tout Paris", écrit son père en 1754, alors qu'il appréciait très peu son fils et que Gabriel avait cinq ans. La précocité de Mirabeau semble s'être accompagnée d'une prise de conscience de sa laideur, voire de sa différence.
Destiné d'abord à la carrière des armes, il eut une jeunesse agitée ; son père le fit enfermer à l'île de Ré, puis l'envoya guerroyer en Corse. De retour sur le continent, il épousa Emilie, fille du marquis de Marignane (la famille de Marignane était l'une des plus puissantes de Provence). Un fils, mort en bas âge le 8 oct. 1778, naquit de cette union.
Le jeune ménage étant très dépensier, Mirabeau père dut bientôt faire enfermer son fils par lettres de cachet pour le soustraire à ses créanciers. Gabriel fut donc emprisonné au château d'If le 20 sept. 1774. Peu après sa libération, il enleva la marquise de Monnier à Pontarlier et fut condamné à avoir la tête tranchée. Il s'enfuit alors avec son amante aux Pays-Bas, où il vécut de sa plume. De nouveau arrêté, il fut enfermé au donjon de Vincennes de 1777 au 13 déc. 1780. C'est là qu'il écrivit à son amie les Lettres de Sophie. Il y conçut aussi plusieurs autres ouvrages, parmi lesquels les Lettres de cachet. Il se sépara d'Emilie à la suite d'un procès retentissant qui eut lieu à Aix en présence de toute la noblesse du 7 mai au 5 juillet 1782. Quelque temps après sa deuxième sortie de prison, il séduisit la femme du sculpteur Lucas de Montigny, et en eut un fils qui le suivra dans ses voyages à travers toute l'Europe, notamment en Allemagne et en Angleterre. Il obtint de Calonne une mission secrète en Prusse. Rentré de Berlin en 1787, il publia en 1787 son Histoire secrète de la cour de Berlin qui fit scandale. Calonne refusant de l'employer de nouveau, il s'attaqua à lui dans sa Dénonciation de l'agiotage (1787). Il conseilla au Parlement de demanda la convocation des Etats Généraux, et chercha à s'y faire envoyer d'abord par l'Alsace, puis par la Provence. Repoussé par l'assemblée de la noblesse, malgré ses origines, il fut élu député par le Tiers-Etat le 6 avril 1789, à la fois à Aix et à Marseille. Tribun éloquent et passionné, il joua l'un des premiers rôles à l'Assemblée Constituante.
Doué d'une immense culture, Mirabeau connaissait mieux que presque tous ses collègues les questions qui pouvaient se poser aux représentants des trois Etats, notamment en politique étrangère. Ses vues politiques s'ordonnaient en un système cohérent : foncièrement royaliste, il voulait que les provinces mal unies se fondissent sous l'autorité royale ; mais cette autorité ne devait pas être absolue, le principe résidant dans le peuple. Il voulait la suppression des privilèges et l'égalité religieuse.
Au marquis Henri-Evrard de Dreux-Brézé, qui ordonnait à l'Assemblée de se dissoudre (23 juin 1789), Mirabeau fit répondre par cette phrase célèbre : "Allez dire à votre maître que nous sommes ici par la volonté du peuple et que nous n'en sortirons que par la force des baïonnettes". Certains de ses discours furent retentissants, comme ceux contre la banqueroute, pour le maintien du veto absolu, sur le droit de paix et de guerre, etc. Mais la plupart des députés de l'Assemblée, notamment Necker, se méfiaient de lui : c'est pour se soustraire à son ascendant que l'institution interdit à ses membres d'être ministres. Mirabeau se mit alors à intriguer, se heurtant à la jalousie de La Fayette. Agent double en quelque sorte, il maintint sa popularité par quelques manifestations d'ardeur révolutionnaires, tout en servant à Louis XVI de conseiller et de défenseur rétribué, et ce grâce au comte de La Marck qui jouait le rôle d'intermédiaire entre la Cour et lui.
Malgré ce double jeu et quelques animosités parmi les députés, Mirabeau est élu président de l’Assemblée nationale le 30 janvier 1791. Il ne profite pas longtemps de cette présidence, il meurt le 2 avril 1791. Son décès est ressenti comme un deuil national.
Inhumé au Panthéon, on l'en retira en août 1792, quand, après l'ouverture de l'armoire de fer, on eut la certitude de son double jeu. L'actuel château du village de Mirabeau, dans le Vaucluse, a été construit sur les ruines de celui de la famille du révolutionnaire.

D'ap. Chaussinand-Nogaret, Guy, Mirabeau,
Paris, Seuil, 1982, 336 p.

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DARIUS MILHAUD 1892 - 1974

Un musicien inspiré des poètes, de sa terre natale, de ses nombreuses terres de passages, de ses convictions religieuses. « Français né à Aix et de confession israélite » comme il se présentait lui-même, il montre des dons précoces et apprend le violon. Il entre en 1909 au Conservatoire de Paris, où il suit les classes de Gédalge et Widor, et complète sa formation avec Charles Koechlin.
Engagé comme secrétaire par Paul Claudel, nommé ministre plénipotentiaire à Rio, il l'accompagne au Brésil et y découvre le folklore sud-américain et les rythmes exotiques. Revenu à Paris, il est associé (par le critique Henri Collet) au Groupe des Six (avec George Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre) rassemblé autour de Cocteau. C'est l'époque du Boeuf sur le toit, mais aussi des Choéphores et des Euménides. En 1923, au cours d'un séjour aux Etats-Unis, il découvre le jazz. Voyageant énormément, il partage son temps entre la composition et l'enseignement. En 1940, fuyant les nazis, il repart pour les Etats-Unis, où il enseigne au Mills College d'Oakland (poste qu'il conservera jusqu'en 1971). L'arthrite qui le paralyse peu à peu ralentit à peine son activité incessante couronnée en 1971 par l'élection à l'Académie des Beaux-Arts.

Cas rare en ce siècle, Milhaud laisse une oeuvre proprement gigantesque : plus de 450 opus dans tous les genres, illustrant toutes les formes et jouant de toutes les combinaisons instrumentales (« opéra-minute », « symphonie miniature »). Contrapuntiste exceptionnel, il a écrit deux quatuors à cordes qui peuvent être joués ensemble sous forme d'octuor. Outre la fécondité jaillissante et l'invention mélodique, les caractéristiques de son oeuvre sont l'utilisation de la polytonalité, celle des rythmes exotiques ou du jazz (La Création du monde, 1923) et le lyrisme. Au-delà de l'éclectisme des formes et de la complexité d'écriture, son oeuvre témoigne d'un style très personnel, aisément identifiable, une sorte de modernisme épuré mis au service d'une expression généreuse.

Darius Milhaud dans ces musiques affirme ses qualités de compositeur et d'homme, étroitement imbriquées, s'alimentant mutuellement. Il s'y affirme Méditerranéen passionné et lyrique, rejetant le pathos et la fausse émotion.

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OLIVIER MESSIAEN 1908 - 1992

Avignon, 10 décembre 1908 / Paris, 27 avril 1992.
Né à Avignon dans un milieu intellectuel particulièrement favorable (son père, professeur de lettres, traduit Shakespeare, sa mère, Cécile Sauvage, est une poétesse renommée), il fait preuve de dons extrêmement précoces : pour ses dix ans, il reçoit en cadeau, à sa demande, la partition de Pelléas, de Debussy, qui est pour lui une véritable révélation. Très jeune, il n'a encore que onze ans, il entre au Conservatoire de Paris, où il sera, entres autres, l'élève de Paul Dukas (composition) et de Marcel Dupré (orgue) ; il y obtient rapidement cinq premiers prix. Faisant preuve d'une curiosité exceptionnelle, il étudie, parallèlement, le plain-chant grégorien, la rythmique hindoue, les chants d'oiseaux, la musique grecque, l'Ecriture sainte ou la poésie surréaliste, autant de sources d'inspiration pour son oeuvre à venir.

Son premier opus publié, Le Banquet céleste (1928), une pièce d'orgue encore dans la tradition franckiste, attire sur lui l'attention, et on se presse à l'Eglise de la Trinité, où il est organiste, pour entendre ses improvisations. Le succès vient assez vite avec Les Offrandes oubliées (1931), où il met déjà en oeuvre une partie de ses recherches, créant assez rapidement les bases d'un langage nouveau, très personnel, que l'on retrouve dans les quatre méditations sur L'Ascension (1932), puis dans le cycle d'orgue, très novateur, de La Nativité du Seigneur (1935).

En 1936, découvrant l'originalité de la musique de Jolivet, il fonde avec celui-ci et deux autres jeunes musiciens d'avant-garde, Baudrier et Daniel-Lesur, le groupe « Jeune France », dans le but de promouvoir la musique nouvelle. Prisonnier de guerre à Görlitz (1940-42), il y compose un de ses chefs-d'oeuvre, le Quatuor pour la fin du temps, qui sera donné en première audition au camp en 1941. Après sa libération, il fait sa rentrée musicale avec les Visions de l'Amen, pour deux pianos (1943), qu'il interprète avec la pianiste Yvonne Loriod (qui sera plus tard son épouse), mais ses nouvelles oeuvres, notamment les Trois petites Liturgies de la Présence Divine (1944), créent le scandale et déchaînent des critiques d'une rare violence. Cependant, l'influence de Messiaen sur les jeunes musiciens - Boulez en tête - devient considérable, surtout depuis sa nomination au Conservatoire de Paris, où l'on crée, spécialement pour lui, une classe d'analyse et d'esthétique musicale (1947), bientôt fréquentée par toute l'avant-garde européenne, Boulez, Xenakis, P. Henry, Stockhausen..., fascinée par la nouveauté de son langage musical.

Il connaît cependant une période de désarroi, qu'il surmonte en trouvant une inspiration nouvelle dans l'étude et la notation approfondie des chants d'oiseaux, qu'il relève, posté dans la nature et crayon à la main (Catalogue d'oiseaux, 1956-58).

Reprenant, à partir de 1963, la composition d'oeuvres d'inspiration religieuse, il écrit coup sur coup Couleurs de la Cité céleste et Et exspecto resurrectionem mortuorum (1963), à la mémoire des victimes de la guerre. Désormais célèbre, comblé d'honneurs et de prix (élection à l'Institut en 1967), il est enfin nommé Professeur de composition au Conservatoire de Paris. Les commandes officielles affluent [Transfiguration de Notre Seigneur (1965-69), Des canyons aux étoiles (1970-74)], tandis qu'il renoue avec l'orgue, son instrument de prédilection [Méditations sur le mystère de la Sainte Trinité (1969), Le livre du Saint Sacrement (1984)].

De révolutionnaire iconoclaste et incompris dans les années 45-50, Messiaen est devenu un musicien universellement estimé et joué aujourd'hui, bien que considéré parfois par certains comme « réactionnaire » dans ses dernières oeuvres : la polémique qui a suivi la création de son dernier grand chef-d'oeuvre, l'opéra Saint François d'Assise (1983), en témoigne.

La nouveauté du langage musical de Messiaen provient surtout de ses recherches approfondies sur la durée et sur la couleur, deux notions qu'il a exploré très loin, comme aucun compositeur ne l'avait fait avant lui. Quant à son esthétique, elle pourrait se résumer à la notion qu'il utilise souvent lui-même de « valeur ajoutée » : puisant son inspiration à toutes les sources possibles, il ne les fusionne ni ne les mélange, comme d'autres, mais les superpose, les ajoute, créant un style véritablement décoratif : ondes martenot, piano brillant, virtuosité instrumentale s'accumulent dans la richesse d'une harmonie plantureuse, mais tout cela sans faute de goût, avec la sûreté de main d'un très grand musicien.

OEUVRES MAJEURES :

  Orgue

L'Ascension (1933) La Nativité du seigneur (1935) Messe de la Pentecôte (1950) Livre d'orgue (1951) Méditations sur le Mystère de la Sainte Trinité (1969).

  Piano

Vingt regards sur l'enfant Jésus (1944). Visions de l'Amen (1943), pour deux pianos. Catalogue d'oiseaux (1956-58)

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PABLO PICASSO 1981 - 1973

Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso)
Naissance : Málaga, 1881 - Décès : Mougins, 1973

Fils d'un peintre, professeur de dessin et conservateur du musée municipal de Malaga, Pablo Ruiz Blasco y Picasso naîtra dans cette ville le 25 octobre 1881. Il manifestera son goût pour le dessin et la peinture dès l'âge de huit ans, année au cours de laquelle il exécutera "El Picador". Il s'inscrira à l'École d'Arts de La Corogne à l'âge de onze ans, puis à l'École des Beaux Arts de Barcelone en 1895. Déçu par l'enseignement, Picasso abandonnera ses études trois années plus tard et entreprendra une carrière d'artiste indépendant. Il exposera ses toiles dans un café d'artistes de Barcelone, "Aux quatre chats", et côtoiera les principaux représentants de l'avant-garde espagnole. Le peintre subira les influences de Toulouse-Lautrec ainsi que Vincent Van Gogh et Gauguin au cours de cette période. Picasso exposera "La première Communion" à l'Exposition des Arts Décoratifs de Barcelone à l'âge de quinze ans. Il entreprendra son premier voyage à Paris en 1900, et présentera "Derniers instants" à l'Exposition Universelle. Il abandonnera son nom de Ruiz en 1901, pour adopter celui de sa mère : Picasso.

La période Bleue (1901-1904)

La notion de"période bleue" tire son nom de la couleur qui dominera dans les tableaux de l'artiste au cours de cette période emprunte d'angoisse et de nostalgie. Picasso, très marqué par le suicide de son ami Carlos Casagemas le 17 juin 1901, s'assagira et adoptera des thèmes tournés vers des préoccupations plus sociales et des modèles de conditions modestes. La période bleue culminera avec la composition intitulée "La Vie", en 1903.

La période Rose (1904-1906)

Installé avec de nombreux artistes de sa génération au Bateau-Lavoir en 1904, Picasso épousera Olga, une danseuse des Ballets Russes, en 1918. Il réalisera des décors et des costumes pour la compagnie. Le couple se séparera en 1935. Picasso abordera de nouveaux thèmes tout en mettant l'accent sur l'esthétique de la forme. Le personnage d'Arlequin, ainsi que les saltimbanques, s'imposeront dans l'oeuvre de l'artiste à partir de 1905. La couleur bleue laissera sa place à un gris rosé, doux et triste. Picasso fera la connaissance d'Henri Matisse et André Derain au Salon de l'automne 1905. Les fauves feront alors scandale avec leur première exposition commune. La première approche de l'art moderne découlera d'expériences sur la forme entreprises au cours de l'hiver 1905-1906. Picasso peindra une série de nus d'inspiration classique, aux formes généreuses, détachés de fonds rose vif lors d'un séjour à Gósol, en Catalogne, au cours de l'été 1906. Le "Portrait de Gertrude Stein" ou les "Deux Femmes nues enlacées", peints en 1906, déjà déformées, annonceront les "Demoiselles d'Avignon" de l'année suivante.

Le cubisme (1907-1915)

Ces "Demoiselles d'Avignon" marqueront l'entrée de Picasso dans l'art moderne. Celui-ci rejoindra Braque, son ami qui participera à la naissance du cubisme, au cours de l'été 1911 dans une communauté d'artistes dans le sud de la France. Les deux artistes développeront ensemble le cubisme synthétique à partir de 1912. Il introduiront différents matériaux dans leurs toiles (ficelle, tissu, bois, tôles découpées au chalumeau, papier, carton, morceaux de journaux, cartes à jouer, sables) parfois semées de lettres imprimées au pochoir ou rehaussées de peinture.

Le classicisme (1916-1924)

Pablo Picasso renoncera au cubisme en 1915, alors que les critiques et le public venaient de prendre conscience de l'importance du mouvement. Le peintre, qui s'embourgeoisera socialement, peindra des fresques pour la millionnaire chilienne Eugenia Errazuriz et rencontrera le poète Jean Cocteau avec lequel il travaillera. Le peintre épousera Olga Koklova (1891-1955), une danseuse des Ballets Russes, au cours de l'été 1918. Il la suivra durant ses tournées à Rome, Madrid, Barcelone et Londres, villes dans lesquelles il redécouvrira les maîtres de la tradition européenne qui inspireront son oeuvre.

La fin des années 20 jusqu'à sa mort

Présent à l'exposition surréaliste de 1925, soutenu par André Breton, Picasso ne sera qu'un compagnon de route du mouvement. Il se tournera vers la création plastique de 1925 à 1936. Marie-Thérèse Walter (1909-1977), rencontrée en 1927, deviendra sa compagne et son modèle attitré jusqu'à l'apparition de Dora Maar (1907-1997) dans la vie de l'artiste. Les prises de positions de Picasso hostiles à Franco, en 1937, le condamneront définitivement à l'exil.
Le peintre, qui avait reçu commande d'une peinture pour décorer un pavillon de la République espagnole de l'Exposition internationale de 1937, peindra Guernica en réaction au bombardement meurtrier de la ville le 26 avril 1937. Il s'inscrira au parti communiste en 1944, qu'il quittera neuf années plus tard. Françoise Gilot (1921), devenue sa nouvelle femme, lui inspirera des oeuvres marquées par un retour aux sources méditerranéennes antiques. En 1946, Picasso qui vit depuis quelques mois avec Françoise Gilot, découvre Vallauris et ses poteries. Il s'y installe en 1948 consacrant une grande partie de son activité à la céramique.
Picasso et Françoise emménageront une petite maison de Vallauris en 1948. L'artiste prendra possession des ateliers du Fournas dans la même ville, et travaillera également à la fabrique de poteries Madoura. Il fréquente la Provence depuis 1912. Amoureux des corridas d'Arles, il s'installe, entre autre, prés d'Aix dans le château de Vauvenargues qu'il achète en 1958, face à la montagne Sainte Victoire, à l'âge de 77 ans.
Il en fit, selon ses voeux, sa demeure éternelle et est enterré dans son jardin. Pablo Picasso décédera d'une embolie pulmonaire à la suite d'une grippe le 8 avril 1973.

La dation

Lorsqu'il meurt en 1973, Picasso laisse un nombre considérable d'œuvres revenant à son épouse et à ses enfants. Une loi - la dation - qui permet aux héritiers de l'artiste de payer leurs droits de succession en cédant des œuvres à l'Etat, permet également d'envisager la création d'un musée exclusivement consacré à Picasso. C'est dans cette perspective que les héritiers de l'artiste acceptent de laisser l'Etat choisir les œuvres qui lui reviendront avant de procéder à leur partage et à l'éparpillement de la collection. Ce sont ainsi 203 peintures, 158 sculptures, 29 tableaux reliefs, 88 céramiques, 1500 dessins, des papiers collés, 1600 gravures, des manuscrits, parmi toutes les œuvres, de caractère souvent intime ou portant la trace de ses recherches, dont Picasso ne s'était jamais séparé, qui sont sélectionnés et constituent le fonds du musée. La collection personnelle de Picasso, qu'il avait formée au cours de sa vie en rassemblant des œuvres de ses amis (Braque, Matisse, Miro, Derain…), de maîtres qu'il admirait (Cézanne, Le Douanier Rousseau, Degas, Le Nain…), des œuvres primitives, avait été donnée à l'Etat français en 1978 pour être présentée au musée du Louvre. Elle a naturellement rejoint le fonds du musée Picasso. En 1990, après la mort de Jacqueline, l'épouse de Picasso, le musée a reçu une nouvelle dation. 47 peintures, 2 sculptures, une quarantaine de dessins, des céramiques, des gravures, enrichissent et complètent ainsi la collection initiale. Enfin, en 1992, les archives personnelles de Picasso ont été données à l'Etat. Avec leurs milliers de documents et de photographies, qui couvrent toute la vie de Picasso, elles contribuent à faire du musée Picasso le principal centre d'étude sur la vie et l'œuvre de l'artiste.
La sculpture constitue sans doute une des grandes découvertes du musée Picasso. Nombre des sculptures réalisées par Picasso sont en effet restées dans son atelier et ainsi révélées au grand public après sa mort.

Peintures

Centre Pompidou

Artiste

Nature morte "qui" Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1912)

Arlequin Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1923)

Le violon Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1914)

La liseuse Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1920)

Femmes devant la mer Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1956)

Exposition Matisse Picasso

Modèle

Autoportrait à la palette Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1906)

En relation avec

Nature morte à la corbeille d'oranges Peinture Henri Matisse (1912)

Metropolitan Museum of Art

Modèle

Autoportrait Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1906)

Musée Picasso

Modèle

Artiste devant sa toile Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1938)

Autoportrait Peinture Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) (1906)

Sculptures

Centre Pompidou :
Uniquement sur le thème: Tête de femme

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) 1957

Exposition Matisse Picasso :
Dixième salle

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) 1931

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) 1931

Metropolitan Museum of Art :
Art du XXème siècle

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) 1909

Musée Picasso :
Boisgeloup - L'atelier du sculpteur

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 72 cm x 41 cm x 33 cm 1931

De Guernica à la guerre

Tête de femme Portrait Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 65 cm x 54 cm 1939

De la période rose aux Demoiselles d'Avignon

Tête Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 37 cm x 20 cm x 12 cm 1907

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) approx. de 1906 à 1907

La collection personnelle de Picasso

Tête (pour la femme au en robe longue) Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 43 cm x 25 cm x 28 cm de 1942 à 1952

La Crucifixion - La corrida - La Minotauromachie

Tête de femme de profil Relief Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 19 cm x 16 cm x 5 cm 1933

Tête de femme de profil Relief Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 33 cm x 23 cm x 8 cm 1933

Tête de femme de trois quart Relief Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 15 cm x 21 cm x 7 cm 1933

Tête sur fond rouge Représentation non figurative Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) 1930

Vallauris

Tête de femme Tête Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) Dimensions : 32 cm x 24 cm x 16 cm 1962

Quartier latin :
Square Laurent Prache

Monument à Guillaume Apollinaire Tête Sculptures dans la ville Pablo Ruiz Blasco y Picasso (Picasso) de 1918 à 1959

©Succession Picasso 2003-2004

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MARQUIS DE SADE 1740 - 1814

Donatien Alphonse François, marquis de Sade, seigneur de La Coste et de Saumane, coseigneur de Mazan, lieutenant général aux provinces de Bresse, Bugey, Valmorey et Gex, mestre de camp de cavalerie et grand écrivain français, naquit à Paris, en l’hôtel de Condé (où sa mère était dame de compagnie de la princesse), le 2 juin 1740.
Il est le descendant d'une vieille et prestigieuse famille de l'aristocratie de Provence. A 14 ans, il entre dans une école militaire réservée aux fils de la plus ancienne noblesse et, sous-lieutenant un an plus tard, participe à la guerre de Sept ans contre la Prusse. Il y brille par son courage, mais aussi par son goût pour la débauche. Revenu, en 1763, avec le grade de capitaine, il fréquente les actrices de théâtre et les courtisanes. Son père, pour y mettre fin, cherche à le marier au plus vite.
Le 17 mai 1763, il épouse, à regret mais avec l’agrément de la famille royale, Renée-Pélagie Cordier de Launay de Montreuil (issue d'une riche famille parlementaire), dont il aura deux fils et une fille, et qui se signalera par son dévouement conjugal sans réserve. Il ne s'en assagit pas pour autant et fait, dans la même année, son premier séjour en prison pour « débauches outrées ». En 1768, il est à nouveau incarcéré six mois pour avoir enlevé et torturé une passante. Le 3 avril 1768, il aborde Rose Keller, jeune femme de trente ans, demande l'aumône place des Victoires; elle est à la dernière extrémité de la misère et peut-être tentée par la prostitution, susceptible en tout cas d'accepter en passant une partie de libertinage. Sade l'aborde, s'engage à l'employer dans sa maison en qualité de gouvernante et, sur son acceptation, la conduit à Arcueil, lui fait visiter sa maison, l'entraîne dans une chambre, l'attache sur un lit, la fouette cruellement, enduit ses blessures de pommade, recommence jusqu'à l'orgasme, menace de la tuer si elle ne cesse de crier et se propose, puisqu'on est à Pâques, de la confesser lui-même. Rose réussit à s'enfuir par la fenêtre, ameute le village; une procédure s'ensuit, à la suite de laquelle Sade est interné pendant sept mois. Punition rigoureuse eu égard à la qualité du condamné et à l'indulgence dont on faisait généralement preuve pour ce genre d'écarts des jeunes gens bien nés à cette époque. Il donne fêtes et bals dans son domaine provençal de La Coste, voyage en Italie, notamment avec sa belle-sœur, dont il s'est épris. A Marseille, en 1772, il est accusé d'empoisonnement (il avait en fait distribué, lors d'une orgie, des dragées aphrodisiaques à quatre prostituées qui avaient rendu malade l'une d'entre elles) et doit s'enfuir en Savoie. Condamné à mort par contumace, il est arrêté, s'évade, puis cinq ans plus tard (au cours desquels il alterne voyages et scandales), il est arrêté à Paris où il était venu régler ses affaires à la suite du décès de sa mère.
Malgré les interventions de sa femme, il va passer cinq années dans le donjon de Vincennes, écrivant pièces de théâtre et romans pour tromper son ennui, avant d'être transféré à la Bastille où il commence la rédaction des Cent vingt journées de Sodome (1785) puis, deux ans plus tard, Les infortunes de la vertu puis Aline et Valcour. En juillet 1789, dix jours avant la prise de la bastille, il est transféré à Charenton, dans un asile de fous. Il doit abandonner sa bibliothèque de six cents volumes et ses manuscrits.
Il recouvre la liberté, accordée à toutes les victimes de lettres de cachet, en 1790.
Sa femme, lasse de ses violences, obtient la séparation. Ses deux fils émigrent.
Pour survivre dans le Paris révolutionnaire - ses biens, en Provence, ont été pillés et mis sous séquestre - il cherche à faire jouer ses pièces, se lie avec une jeune actrice, Marie Constance Quesnet, qui lui restera fidèle jusqu'au bout. Justine ou les malheurs de la vertu est publié - anonymement - en 1791.
Pour faire oublier ses origines nobles, il milite dans la section révolutionnaire de son quartier. Mais son zèle n'est-il pas assez convaincant ? Fin 1793, il est arrêté et condamné à mort. Oublié dans sa geôle à la suite d'une erreur administrative, il échappe à la guillotine et est libéré en octobre 1794.
Vivant chichement - ses seuls revenus sont ses écrits - il publie en 1795 La philosophie dans le boudoir, Aline et Valcour, La nouvelle Justine et Juliette (Justine et Juliette sont deux sœurs, l'une incarnant la vertu, l'autre le vice, qui subissent des aventures où la luxure le dispute à la cruauté). La presse l'accuse d'être l'auteur de « l'infâme roman » Justine. Il s'en défend maladroitement. En 1801, la police saisit ses ouvrages chez son imprimeur. On ne lui pardonne pas sa violence érotique, son « délire du vice », sa pornographie. Sans jugement, par simple décision administrative, il est enfermé dans l'asile de fous de Charenton. Il va, qualifié de « fou » mais parfaitement lucide, malgré ses suppliques et ses protestations, y mourir le 1^er décembre 1814 sans jamais retrouver la liberté. Cet esprit libre, sur ses 74 années de sa vie, en aura passé 30 en prison.
Ses descendants refuseront de porter le titre de marquis, et il faudra attendre le milieu du XX^e siècle pour que son œuvre, dans laquelle il a ouvert la voie à la psychologie sexuelle moderne, soit « réhabilitée ».
Cette littérature, longtemps combattue et censurée, a été réhabilitée par Guillaume Apollinaire et les surréalistes et, a sa place de plein droit dans toute bibliothèque. L'édition de référence, la bibliothèque de la Pléiade, consacre d'ailleurs trois volumes à Sade, dont les fameux romans La Nouvelle Justine et Histoire de Juliette.
La Coste, château du Marquis de Sade, se situe à 40 km environ à l'est d'Avignon, blotti au pied du légendaire Mont Ventoux, dans le charmant village de Mazan, au coeur de la Provence. Perché sur une colline dominant les villages alentour, la bâtisse, maintenant en ruine, est caractéristique de l'aristocratie de province. Grand criminel de l'Histoire, le Marquis de Sade ne fait pas partie des héros locaux. La politique régionale de tourisme ne fait d'ailleurs rien pour mettre en valeur le château.

Citations

"La nature n'a créé les hommes que pour qu'ils s'amusent de tout sur la terre; c'est sa plus chère loi ce sera toujours celle de mon coeur.
Tant pis pour les victimes, il en faut; tout se détruirait dans l'univers, sans les lois profondes de l'équilibre. Ce n'est que par des forfaits que la nature se maintient et reconquiert les droits que lui enlève la vertu.
Nous lui obéissons donc en nous livrant au mal; notre résistance est le seul crime qu'elle ne doive jamais nous pardonner."
Sade

“Le nom seul de cet infâme écrivain exhale une odeur cadavéreuse qui tue la vertu et inspire l’horreur.”
L’ami des Lois du 29 août 1799

“Les excès de l’imagination à quoi l’entraîne son génie naturel et le disposent ses longues années de captivité, le parti pris follement orgueilleux qui le fait, dans le plaisir comme dans le crime, mettre à l’abri de la satiété ses héros, le souci qu’il montre à varier à l’infini, ne serait-ce qu’en les compliquant toujours d’avantage, les circonstances propices au maintien de leur égarement, ont toute chance de faire surgir de son récit quelque passage d’une outrance manifeste, qui détend le lecteur en lui donnant à penser qu’il n’est pas dupe.”
André Breton, 1940

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JEAN-HENRI CASIMIR FABRE 1823 - 1915

C'est à Saint Léons,dans le Lévézou, près de MILLAU (Aveyron) que Jean-Henri Casimir FABRE voit le jour, le 22 décembre 1823. Il passe les premières années de sa jeunesse au Malaval, tout près de son village natal, chez ses grand parents.

Dès son plus jeune âge, il est attiré par la beauté d'un papillon ou d'une sauterelle... Le souvenir de cette enfance restera à jamais gravé dans sa mémoire. A l'âge de 7 ans, il revient à Saint Léons, où il suit sa scolarité.

En 1833, son père emmène toute la famille à Rodez pour y tenir un café. Quatre années plus tard, ils s'installent à Toulouse. Jean-Henri Fabre rentre au séminaire qu'il quitte en 5ème pour gagner sa vie : il se retrouve à vendre des citrons à la foire de Beaucaire.

Il décide alors de se présenter à un concours, afin d'obtenir une bourse pour l'Ecole Normale primaire d'Avignon. Il est reçu, et remporte, au bout de trois ans, son brevet supérieur.

Le jeune Fabre commence sa carrière d'instituteur à Carpentras, il a alors 19 ans. Sa préférence va aux leçons d'histoire naturelle en pleine garrigue. 

En 1849, il est nommé professeur de physique à Ajaccio. La nature et les paysages de l'Ile de Beauté le séduisent tellement, qu'il décide d'en étudier la flore et la faune. Le botaniste avignonnais Requien lui transmet aussi son savoir.

Plus tard c'est en compagnie de Moquin-Tendon qu'il herborise. Les grandes compétences de cet enseignant seront déterminantes pour le cheminement de Jean-Henri Fabre, en tant que naturaliste.

De retour sur le continent en 1853, il accepte un poste dans une école d'Avignon, et déménage dans une petite maison, bien modeste, rue des Teinturiers, dans le quartier Saint Dominique. Jean-Henri Fabre se consacre alors à l'étude de la garance ( Rubia tinctoria ) pour en améliorer les rendements en garancine, ou alizarine, colorant naturel. Les draperies d'Elbeuf utilisaient la poudre de garance pour obtenir le rouge des pantalons de l'armée française. Jean-Henri Fabre a déposé trois brevets en 1860.

Le Ministre Victor Duruy lui confie la création de cours du soir pour adultes, mais sa façon très libre d'enseigner déplaît à certains. Il démissionne alors, et s'installe à Orange. Il y séjourne avec toute sa famille, pendant presque une dizaine d'années, et c'est là qu'il écrit la toute première série des « Souvenirs Entomologiques ».

Il adore organiser des excursions botaniques au Mont Ventoux avec ses amis, Théodore Delacour et Bernard Verlot. C'est à cette même période que Jean-Henri Fabre se lie d'amitié avec le philosophe anglais John Stuart-Mill, mais ce dernier décède trop tôt, et leur projet commun, d'établir une « flore du Vaucluse » ne voit jamais le jour. Le destin anéantit alors Jean-Henri Fabre, par la mort de son fils Jules, âgé de 16 ans, le seul de ses six enfants à partager ses passions pour l'observation de la nature. Il lui dédia certaines découvertes d'espèces de plantes qu'il découvrit par la suite.

Les champignons ont toujours intéressé Jean-Henri Fabre. En 1878 il écrit un merveilleux essai sur les « Sphériacées du Vaucluse ». Intarissable au sujet de la truffe, il décrit avec un tel brio son odeur que les gourmets peuvent en retrouver tous les arômes.

A la fin de l'année 1878 paraissent la première série des « Souvenirs Entomologiques ». Cette oeuvre démontre son génie animé par une passion vraie et authentique de la vie, sous toutes ses formes.

Jean-Henri Fabre obtient maints titres scientifiques, malgré cela, il demeure toujours d'une grande simplicité. Il est presque autodidacte. Il maîtrise le dessin , l'aquarelle, et nous lui devons de magnifiques planches sur les champignons, qui rendaient Frédéric Mistral très admiratif.

En 1879, il fait l'acquisition de l'Harmas de Sérignan, où il réside jusqu'à sa mort. Là il peut se livrer à toutes ses expériences et réflexions en toute quiétude. C'était ce dont il avait toujours rêvé. Il y fait aménager sa maison familiale, son bureau, sa bibliothèque. Ce lieu incomparable est le cadre qui convient enfin à Jean-Henri Fabre, poète et savant. À ce jour, c'est un musée au milieu d'un magnifique jardin botanique qui respire la Provence.

Jean-Henri Fabre fut admiré de Darwin, de Maeterlinck, de Rostand, de Jünger, de Bergson, Roumanille, Mallarmé... On peut le considérer comme un des précurseurs de l'Éthologie, la science du comportement animal et humain. Darwin, à la lecture des « Souvenirs Entomologiques », le qualifia « d'observateur inimitable », en raison de la précision de ses expériences, de ses découvertes sur la vie et les moeurs des insectes. Savants, hommes de lettres..., tous ses contemporains sont subjugués par le personnage, un botaniste certes, mais surtout un être envoûté par la nature. Jean-Henri Fabre a reçu Pasteur chez lui, ainsi que John Stuart Mill, et bien d'autres savants. Cependant, la correspondance de Fabre n'est pas très abondante.

Victor Duruy présente Jean-Henri Fabre à Napoléon III, qui lui décerne la Légion d'honneur.

Raymond Poincaré de passage non loin de Sérignan, fait un détour par l'Harmas, afin de lui rendre hommage.

En 1915, s'éteint celui qui voua toute sa vie à l'étude des insectes, à l'âge de 92 ans. Il est alors enfin reconnu, un peu tardivement, il est vrai, comme il se plaisait à en plaisanter.

Le monde du cinéma a rendu de nombreux hommages à Jean-Henri Fabre. Henri Diamant-Berger a réalisé, en 1951, une biographie du savant « Monsieur Fabre » incarné par Pierre Fresnay ; Patrick Maurin (Patrick Dewaere), y interprétait le rôle d'un enfant du savant. Luis Buñuel se voulait disciple de Fabre, en témoignent dans ses films, l'acuité de son regard et la précision de son sens de l'observation. Louis de Funès relisait régulièrement les « Souvenirs Entomologiques » dont il s'inspirait dans la préparation de ses rôles. Louis de Funès a d'ailleurs transmis sa passion à son fils, Patrick.

Outre le « philosophe entomologique », le « psychologue du monde des Insectes », Jean-Henri Fabre est aussi un merveilleux « félibre » : il nous a laissé son recueil de poèmes « Oubreto Provençalo ». Majoral du Félibrige, on le surnomme avec affection « Le Félibre du Tavan », ( « Poète des Hannetons », en Provençal ). Sur son petit harmonium à l'Harmas, il compose quelques chansons...

Aujourd’hui, sa maison, l’Harmas, est devenue un musée :

Coordonnées :

Musée national d'histoire naturelle Jean-Henri FABRE

Village de Sérignan-du-Comtat,

situé au nord du département de Vaucluse dans le canton Est d'Orange,

Tél. 04 90 70 00 44

Ouverture :

Se renseigner, actuellement en travaux.

A voir :

La " cité des insectes",

Web site : Micropolis

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JEAN-MOULIN 1899 - 1943

ENFANT DU LANGUEDOC ET DE PROVENCE